有关音乐会的一些知识

1.音乐节的知识

通常是在特定的地方用统一的内容，例如民族音乐、现代音乐或发扬某一杰出作曲家的作品，举行连续性的演出，音乐节意指持续数天和数周的、一种或几种艺术的庆祝聚会。其中大多数每隔一段的时间并通常在同一地点举行。有的音乐节主要为了纪念某位音乐家而举办，如“巴赫音乐节”、“贝多芬音乐节”、“梅纽因音乐节”“聂耳音乐节”；有的音乐节转为当代音乐作品举行，如“多瑙厄申根音乐节”；有的音乐节包括多种艺术项目，如“萨尔茨堡音乐节”（歌剧、音乐剧、芭蕾舞、戏剧）。现在国际上有许多音乐节的动机已不完全是从纯音乐的角度举办，而是结合旅游与经济效益等方面综合考虑，力求精神与物质双丰收。世界著名的音乐节：萨尔茨堡音乐节、拜鲁伊特音乐节、爱丁堡音乐节、北京国际音乐节等。然而，这个词的今义，是在英国最早应用的。在英国，世俗音乐的音乐节始于18世纪，最早于1784年专为韩德尔在西敏寺举行的音乐节。此后韩德尔音乐节几乎不间断地举行，直到20世纪。美国在19世纪按英国的模式举行了几次大规模的合唱音乐节。美国音乐保护人柯立芝（Elizabeth Sprague Coolidge,1864~1953）建立了每年一度的室内乐音乐节（匹兹费得〔Pittsfield〕，麻萨诸塞州；1918），专门演出被委托而创作的作品，这是20世纪接踵而来的一个较特殊的音乐节。1937年，指挥家库塞维茨基（Serge Koussevitzky）在麻萨诸塞州莱诺克斯（Lenox）附近的坦格尔伍德（Tanglewood）开创了「伯克夏音乐节」。这两个音乐节都是引人注目的重要音乐界大事。1960年代和70年代还举行过大量的摇滚乐音乐节。1957年西班牙大提琴家卡沙尔斯（Pablo Casals）在波多黎各创立了著名的音乐节。

在某个主题的号召下，很多乐队集中到一起，在数天的时间里为歌迷带来一系列演出，这是名副其实的节日。这种音乐节经常是露天的（outdoor），因为可以不受场地限制，接纳尽量多的歌迷。不少乐队在音乐节上表现出众而一举成名，象著名的重金属音乐节Monsters Of Rock，重金属乐队纷纷以参加这个音乐节而自豪，如果能够在这个音乐节上摘得头牌交椅，那乐队的地位无疑就已经是超级明星了。不过历史上最有影响力的摇滚音乐节还是非1969年的Woodstock莫属。

著名音乐节[Aldeburgh Festival]奥尔德堡音乐节

1948年以来，每年在英国萨福克郡奥尔德堡举行。其活动主要是介绍本杰明.布里顿和他周围的一些音乐家的作品。

[Bayreuther Festspiele]拜鲁伊特音乐节

1876年由德国作曲家R.瓦格纳创立。瓦格纳为实现上演他创作的综合艺术乐剧专门兴建了一座拜鲁伊特权典剧场，剧场1876年8月13日在他的主持下正式开幕。指挥家汉斯.里希特指挥演出了他的《尼伯龙根的指环》。该音乐节只上演瓦格纳中、晚期的作品，是世界最著名的音乐节之一。

[Cheltenham Festival]切尔腾汉姆音乐节

1945年成立。起初以英国当代音乐为主，1969年以后扩大到包括其他国家的当代音乐，并定以每年夏季在英国的切尔腾汉姆温泉举行。

[Endinburgh Festival]爱丁堡音乐节 1947年为布鲁诺.瓦尔特与维也纳音乐团在二战后重新合作而举行。以后每年在英国的苏格兰举行，由三个剧场分别演出歌剧、戏剧和芭蕾舞剧，并在大音乐厅举行交响音乐会，在小音乐厅举行室内乐与独奏演出。 [Salzburger Festspiele]萨尔茨堡音乐节其前身为1877年在莫扎特的出生地奥地利萨尔茨堡举行的莫扎特音乐节，1922年改为萨尔茨堡音乐节。二战时中断，1946年恢复。主要演出莫扎特的作品，但也上演其他德奥系统的作品以及其他国家的优秀作品。李斯特、马勒、R.施特劳斯、瓦尔特、托斯卡尼尼、富特温格勒、伯姆、阿拉扬等曾在此指挥演出。是世界最著名的音乐节之一。

2.介绍点关于音乐的基础知识

音乐：通过生动的艺术的艺术形象表达人们的思想感情，反映社会现实生活。

它可以让我们快乐，也可以让我们忧伤。它满足人们审美的需求，陶冶着人们的情操。

它是世界上人们共同的语言。音乐语言的要素：包括旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、调式、调性等。

旋律是指长短、高低、强弱不同的一连串乐音有组织地进行。它是音乐的基础和灵魂。

节奏是指组织起来的音的长短关系。节拍是指时值相等的强拍和弱拍有规律地交替出现。

速度是指音乐进行中的快与慢。力度是指音乐进行中的强和弱。

音区是指人声或乐曲在某个作品中的音域范围。通常分为高音区、中音区和低音区。

音色是指不同人声或乐器在音响上的特色。和声现代是指音的同时结合及其连续进行。

调式是指几个音按照一定的关系组成一个体系，并以其中的某个音为中心（主音），该体系即称为调式。调性是指调式所具有的特性。

乐音：振动规则，听起来高低明显的音。噪音：振动不规则，听起来高低不明显的音。

乐音体系：音乐中使用乐音的总和。音级：乐音体系中各个音叫音级。

它包括基本音级和变化音级。半音：在钢琴键盘上，任何相邻两个键的音高关系为半音。

全音：在钢琴键盘上，任何隔开一个琴键的两个键音高关系为全音。音名：音的名称。

用C、D、E、F、G、A、B表示。唱名：唱谱时使用的名称。

用do、re、mi、fa、sol、la、si来唱。音组：七个基本音级循环重复，产生了许多音名相同而音高不同的音，于是可以分成若干个组，这些组称为音组。

音律：音乐体系中各音的绝对高度。目前世界各国广泛采用的音律是十二平均律，另外还有纯律和五度相生律。

十二平均律：把八度分成十二个均等的部分。基音和泛音：琴弦振动发音时，不仅全弦振动，它的二段、三段、四段……也在振动发音。

全弦振动产生的音，即听得最清楚的音叫基音；其它各段振动产生的音，不易听清楚，叫泛音。音域：指乐音体系、人声、乐器或某首作品的音高范围。

3.能介绍一些有关音乐的知识吗

说唱乐的起源可以追溯到黑人音乐根源中吟咏的段落中，到了70年代说唱乐正式确立了自己的风格，其中最主要的功劳要归根于当时流行的迪斯科舞厅中的DJ们，他们将黑人当时正在风行的FUNK节奏混入流行的迪斯科节奏中，并且在唱片机上反复重复同一张的唱片的内容，做自己的LOOPS，随着那些在现在广为人知和DJ们普遍应用的“打碟”法出现，说唱开始被街头黑人文化所流传，并且衍生出相当丰富的分支，诸如西海岸说唱乐（West Coast Rap）、南部说唱乐（Southern Rap）、流行说唱乐（Pop Rap）、老派说唱乐（Old Schold）、中西部说唱乐（Midwest Rap）、拉丁说唱（Latin Rap）、硬核说唱（Hardcore Rap）、黑帮说唱（Gangsta Rap）、外来说唱乐（Foreign Rap）、东海岸说唱乐（East Coast Rap）、过渡说唱乐（Crossover Rap）、喜剧说唱乐（Comedy Rap）、基督教说唱（Christian Rap）、另类说唱乐（Alternative Rap）等等，我们现在所谓的HIP-HOP正是由这些流派综合了当今流行元素而诞生的新词汇。

尽管早在90年代初期就有人认为这种絮絮叨叨，满是脏话粗口，叛逆词语的音乐会很快消失，而事实上，在90年代末，随着一批新进的说唱乐手和以白人为主的说唱摇滚的风行，曾经被黑人抛弃的音乐又重新回到了流行音乐的前端，至少在新世纪的现在，这个风潮还不会消退。 RAP是美国黑人音乐中的重要组成部分，是街头文化的主要基调，是世界流行音乐中的一块“黑色巧克力”。

本文试图通过介绍几支美国当红RAP歌手/团体，让歌迷了解这些人的背景资料，找到自己喜欢的RAP明星。 R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作”节奏怨曲”。

广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的Blues音乐，是现今西行流行来和摇滚来的基础，Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。

节奏布鲁斯（R&B）的诞生可以追溯到40年代中期，早期的R&B被被称为跳跃布鲁斯（Jump blues）。 Jump Blues吸收了爵士乐的吹奏乐器（Horn-driven lineup）演奏和摇摆乐（Swing）的节奏，也结合了蓝调音乐（Blues）基本重叠唱法（Riff）和弦乐演奏，成为了一种，崭新的音乐形式。

也可以说Jump Blues是节奏爵士（Rhythm Jazz）和布鲁斯（ Blues）的结合品。虽然 Jump Blues 很大一部份是吸收Blues的特点，但是最后奠定其基本结构使其形成一种崭新的音乐风格却是节奏爵士。

但Jump blues 节奏更快，演唱更粗哑，而且其乐器的使用也区别于爵士和蓝调：钢琴演奏节奏强烈，最重要的SAX的演奏也更尖锐。早期的Jump Blues 是还是属于黑人音乐：它的演唱者和听众都是黑人。

在Jump Blues中演唱者被称“Shouter“，很多著名的Jump Blues Shouter都是来自大乐队（Big-Band），如 Big Joe Turner，他是来自Kansas City jazz bands的。当时还有一些著名的Shouter，如 Wynonie Harris, Roy Brown, Roy Milton和 Nappy Brown等。

Louis Jordan在Jump Blues的历史上有着很重要的影响，他经常演奏一些歌词诙谐的歌曲，由于这些歌曲特别适宜用来作舞曲，所以越来越多的白人青少年喜爱上了这种音乐.其它如 Chuck Berry, Joe Liggins, Tiny Bradshaw, Amos Milburn, Camille Howard等黑人音乐家也为都是当时有名的 Jump Blues音乐家. 在50年代，由于那些杰出音乐家们的努力，Jump Blues终于冲破了种族界限，成为了为大众接受的新型音乐风格，也正是在50年代Jump Blues易名为“节奏布鲁斯（R&B）”，登上了 Billboard榜. “节奏布鲁斯”（R&B）在20世纪40年代中期出现的时候，它甚至还没有名字。但这个词才一出现，它就迅速广泛地传播开去。

时至今日，R&B已经成了黑人流行音乐的代名词，尽管它更多的是作为一种区别于说唱乐（Rap）、灵魂乐（Soul）、都市歌（Urban）的音乐种类被特殊的听众和唱片界人士提及。早期的摇滚乐就是以R&B为基础的，它是由受流行音乐影响的“乡村和西部音乐”延展而来。

R&B不仅仅是在布鲁斯和摇滚乐之间的一种重要的过渡音乐，它还是布鲁斯和灵魂乐之间最重要的音乐分支。当然，布鲁斯无疑是R&B的一个重要组成部分，但爵士乐元素也同等重要。

最早的R&B艺术家就是来自“大乐队”（Big-Band）和“摇摆爵士”（Swing-Jazz）领域。在“二战”前，爵士乐远比今日风行，那时它是一种为跳舞而演奏的音乐，但是在乐队中通常会有歌手。

“二战”期间，许多重要的爵士乐艺术家开始发展“上乘爵士”（Be Bop）和“酷爵士”（Cool Jazz），这种跳舞元素更少的爵士乐。然而受战时的经济、军事等因素的影响和约束，“大乐队”开始逐渐减少。

但听众们，尤其是那些在大城市中迅速增加的非裔美国社区的听众，他们仍然希望听到可以跳舞的音乐。于是音乐家们为了适应听众，就做出音量更大、使用更多的电声乐器，并且以“回复”（Riff）为主。

4.有关声乐的知识·

声乐是由人声演唱为主的音乐形式。大多数声乐作品体裁短小，易于普通老百姓接受。所以有史以来为声乐创作的作品浩瀚如云，数不胜数。声乐作品从演唱的形式来看，有如下几类：

1、合唱。其中又有混声大合唱、无伴奏合唱、女声小合唱、男声小合唱、童声合唱

2、齐唱。常见的有男声齐唱和女声齐唱等。

3、重唱。其中有男声四重唱、女声：重唱、男女声二重唱等。

4、独唱。有男声独唱、女声独唱、童声独唱等。

声乐作品从演唱风格上看，可分为：

1、美声唱法：这是—种以意大利民歌唱法为基础的科学演唱方法，其音色宏亮、透彻，适于表现严肃的、戏剧的、重大的内容。长期以来，演唱艺术歌曲、歌剧、清唱剧等均采用美声唱法。

2、民族唱法：以本民族传统的民间唱法为基础的演唱方法，如中国各种戏曲的唱

法、各种说唱音乐的唱法、民歌唱法、印度民歌的唱法、日本民歌的唱法等，早己形成自己独特的发声、行腔、咬字等方面的理论和规律。

3、通俗唱法：基本上是属于用本嗓演唱的风格。它的风格可以有多种：有抒情的、民歌风格、乡村行乐风格、校园风格、摇滚风格等等。，近年来，三种演唱法有逐渐靠拢的趋势。帕瓦罗蒂常常与流行歌手—起举办音乐会；各个民族的演唱方法都吸收了一些美声甚至通俗的演唱方法；通俗歌手们由于没有—种统—的演唱方法，并且它的风行时间短，歌曲风格多样化，使得它不得个向美声和民族唱法学习。

声乐的伴奏，可以用钢翠、手风琴、小乐队乃至管弦乐队。不同的伴奏的选择，与音乐的性质有关，比如声乐协奏曲应尽量用管弦乐队，小乐队就无法承载如此大的份量；女声小合唱，因为它具有轻巧扦情的性质，所以采用管弦乐队就象大炮打蚊子，不相匹配，用手风琴或钢琴倒是很适合。当然用什么伴奏还要根据现有的条件来安排。欣赏声乐作品的时候，应注意从两方面去欣赏：一是欣赏歌曲的美感，其旋律的起伏发展，线条的优美，节奏的慷锵或疏缓，伴奏的配合是否适当等；二是演唱者的表演方面，是不是很准确地把握了作品的精髓，音准、节奏、表情等因素是否掌握得恰当，尤其是嗓音的音色是否漂亮、具有嘹亮或抒情婉转的特色。

5.介绍关于音乐的知识

乐理知识作者：风的去向文章来源：北京影音俱乐部论坛点击数：更新时间：2006-3-3记谱法记录乐曲的方法叫做记谱法。

在历史发展过程中，由于乐曲的不同内容和需要而产生了各种各样的记谱方法。如为古琴用的古琴谱，为锣鼓用的锣鼓谱，以及我们现在普遍应用的五线谱、简谱和在我国民间应用的工尺谱等便是。

各种记谱法虽然在其发展中不断地趋向完善，但到目前为止，世界上还没有一种记谱法能够完美无缺地记录音乐。如音高、力度、速度上的细微差异，许多装饰音的奏法等，都还需要演奏者凭其各自不同的理解来加以具体的分析和处理。

正确的记谱对创作和表演都是十分重要的，每个学音乐的人应该很好地掌握记谱法，特别是对学作曲的人来说，具有更为重要的意义基础乐理–谱号前面已经讲过，在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少？低多少？却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。

这种谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。通常用的谱号有三种：G谱号表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号；另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。

F谱号表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号；另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。C谱号表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。

目前被采用的C谱号有C三线谱号（中音谱号）为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号（次中音谱号）为大提琴、大管和长号所用。

其他C谱号一般较少应用。使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。

各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用，如高、低音谱号所组成的大谱表便是。基础乐理–音的分组前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个”组”。

在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。

小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。其他各组依次类推。

比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。

大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。

大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如A2B2等。基础乐理–十二平均律将八度分成十二个均等的部分-半音-的音律叫做十二平均律。

十二平均律早在古代希腊时便有人提出了，但并未加以科学的计算。世界上最早根据数学来制订十二平均律的是我国明朝大音乐家朱载（土育）（1854年）。

半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。

八度内包括有十二个半音，也就是六个全音。在音列的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。

在钢琴上，相邻的两个琴键（包括黑键）都构成半音，隔开一个琴键的两个音则都构成全音。基础乐理–音律乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。

音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有”纯律”、”五度相生律”和”十二平均律”三种。

目前被世界各国所广泛采用的是”十二平均律”。但”纯律”和”五度相生律”在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。

关于音级的介绍音级是乐音体系中的各音，它有基本音级和变化两种。前者在乐音体系中具有七个独立的名称，钢琴键盘上白键所发出的音是与基本音级相符合的。

后者是将基本音级加以升高或降低而得来的。基本音级的名称，用字母体系和唱各体系两种方式来标记：字母体系：c、d、e、f、g、a、b唱各体系：do、re、mi、fa、sol、la、xi目前国内的音乐基础知识业余考级里所指的音级是调式音级。

调式音阶中的各音就叫做调式音级。每个音阶中的主音也就是调式音阶中的I级音。

每个调式音阶的主音不同但标记永远以主音为I级。do、re、mi、fa、sol、la、xi、do例：C自然大调标记：la、xi、do、re、mi、fa、sol、laa自然小调标记：i ii iii iv v vi vii i大调音阶用大写字母标记，小调音阶用小写字母标记。

练习提示：1.弹出标准音用来听辩主和弦和主音，把主和弦和主音听辩正确后即能确定你所做的题应是什么调式。2.弹奏题目中的调式音，用第一步确定好的调试音阶来判断此调式音的音阶。

乐理知识-音及音高音是由于物体的振动而产生的。在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。

在音乐中所使用的音，是人们在长期的生产斗争和阶级斗争中为了表现自己的生活和思想感情。

6.听音乐会有哪些需要注意的礼节

第一、在乐章与乐章之间不要鼓掌。

这是目前亟需解决的问题，虽然每次演出前都会有广播提醒大家注意这一点，但这一现象却总是不能杜绝，总会有几个人在乐章与乐章之间鼓掌，究其原因，是由于不了解西方古典音乐的结构，想当然地以为一个乐章的终了，就是整部作品的结束。解决这一现象的办法除了多了解一些西方音乐的知识外，也可在每次想要鼓掌的时候慎重一些。

第二、关掉手机。

虽然每个人都知道，手机铃声会影响到正在演奏的曲目，也会影响其他听众，但是仍然有个别观众为了自己的方便不关手机，这是应该立刻加以改正的。

第三、迟到的人应在一曲结束后或者乐章之间的间隙入场。

场内有人走动对于演奏者和聆听者而言都是件分散精力的事情，而且对于演奏者来说也是不礼貌的。

第四、演奏过程中不应该交谈和吃东西以及做有可能会发出响声的事情，这会影响他人的聆听。

第五、全部曲目演奏完毕，通常情况下应该热烈鼓掌，等候演奏者的谢幕和加演，而不应该在曲目演奏完之后立刻就离去。

第六、献花应该在全部曲目演奏完毕之后，在演奏者谢幕的时候，因为献花意味着音乐会的结束。

音乐会的工作人员应该特别注意这一点，国内音乐会上曾发生过工作人员不合时宜的献花遭到观众抗议的事情。

第七、关于着装问题

现在虽然不一定要求西装革履，但是至少应该整齐干净，这是最基本的礼貌。

7.音乐基础知识